Vous rappelez-vous comment vous êtes entré dans la musique ?

La musique domestique occupait une place importante dans mon enfance et ma jeunesse. Il n’y avait presque pas de week-end quand notre famille ne jouait pas de musique. Mon père était très musical et le facteur déterminant : « Christoph, prends le violon … »

La musique classique avait une valeur de survie dans la période qui a suivi la seconde guerre mondiale. Je me souviens (j’avais 7 ans) d’un concert avec le Philharmonique de Berlin sous la direction de Wilhelm Furtwängler au Titaniapalast, un palais du cinéma. Les Philharmoniques étaient égaux au sol. Lors de la marche funèbre du 2^e mouvement de la 7^e Symphonie de Beethoven, le public était plongé dans une atmosphère que je ne peux pas oublier à ce jour.

D’autres expériences de concert profondément impressionnantes à Berlin m’ont également poussé à devenir violoniste et musicienne.

Qu’est-ce qui vous fascine le plus dans la musique et pourquoi ?

Si les mots manquent, les notes ont toujours une réponse. Si la personne ne sait pas comment continuer, la musique peut aider même dans des situations extrêmes.

En particulier, la musique dite classique, désignée comme un terme générique, reflète dans son art subtil et son pouvoir expressif profond les ambiances, les contextes et les espaces auxquels nous sommes quotidiennement confrontés et où nous apprenons à trouver notre chemin avec elle.

Quel compositeur ou quels compositeurs vous inspirent le plus et pourquoi ?

En tant que musicien, je suis curieux de tout ce que je ne connais pas.

Cependant : Franz Schubert a eu un effet profond sur moi depuis ma jeunesse – et je le reviendrai tout de suite. Schubert a écrit ses notes sur la postérité pendant 31 ans pour développer son univers musical et l’intensité de son message sans bornes. Il est fascinant de retracer ses messages les plus intimes sur le plan musical entre la vie et la mort. Surtout en période de changement, il est prudent de s’exposer de manière répétée au flux infini de sa musique.

Que pouvez-vous dire rétrospectivement de votre expérience de jouer de la musique avec des jeunes ?

Que puis-je dire à ce sujet ?

Parallèlement à mon travail de premier violon solo au sein de la NDR Hannover, j’ai commencé en 1972 avec la direction artistique des LandesJugendOrchesters Baden-Württemberg.

À ce moment-là, je n’imaginais pas que cette tâche me permettrait d’aller plus de 40 ans. Les enfants et les adolescents ont un désir naturel inné d’apprendre un instrument afin de « jouer ensemble ».

La musique et la musique ensemble sont les bienvenus en tant que « terrain de jeu » et en tant que modèle de réflexion à des niveaux exigeants, dans la mesure où la musique offre un caractère unique !

vec une maîtrise croissante de l’instrument, les jeunes musiciens obtiennent les conditions préalables pour mieux comprendre les liens que les compositeurs nous permettent généreusement de concevoir dans leurs partitions. À la manière d’une chasse au trésor, les musiciens peuvent découvrir les secrets de mondes inconnus.

Les enfants et les adolescents ont fondamentalement un potentiel admirable de motivation, de capacité et de discipline. Ce n’est pas l’âge, mais le développement individuel du talent, les opportunités et l’environnement qui déterminent la voie à suivre pour atteindre la maturité (précoce).

À votre avis, pourquoi est le quatuor l’une des formations musicales les plus ambitieuses ?

Le quatuor à cordes appartient à la « classe royale » des genres musicaux.

Quatre instruments à cordes – deux violons, un alto et un violoncelle – donnent un format classique et idéal pour jouer en tant que compositeur dans un monde d’expressions différentes – en particulier lorsque les mots sont limités.

Les plus grands compositeurs ont utilisé le quatuor à cordes pour traiter l’égalité de quatre voix avec des affects et des contrastes de musique de chambre et d’orchestre. Les structures musicales très différenciées ne peuvent être rendues audibles et tangibles que par les subtilités du quatuor à cordes.

Les instruments à cordes peuvent avoir la plus grande gamme de couleurs par rapport aux autres instruments. Ce sont des instruments très sensibles, mais aussi des instruments virtuoses, qui requièrent un art particulier des deux mains pour pouvoir se communiquer à l’auditeur dans toute la gamme des formes musicales, formes et tensions harmoniques.

Comment maîtrisez-vous tous ce défi ensemble ?

Chaque joueur du Quartetto Paganino est déjà un musicien extrêmement talentueux et virtuose de son instrument.

Avant la première répétition, tout le monde connaît son rôle et le morceau à retravailler.

La partition joue un rôle important, de sorte que chaque joueur a non seulement sa voix, mais tout le travail en vue.

Un concept commun est développé pour que chaque musicien – comme sur une scène avec des acteurs – connaisse son rôle, sa fonction et son expression dans le processus commun. La conception musicale de chaque barre est une forte demande pour les musiciens.

Seules l’analyse, le tempérament musical et l’interaction parfaite – encore affinés par l’oreille – constituent un message convaincant.

Comment décririez-vous les répétitions ?

Tête, cœur et main – discipline, humour et légèreté sont des alliés proches.

WComment envisagez-vous l’avenir de Quartetto Paganino ?

Quatre jeunes musiciens sont en route et ont déjà accompli quelque chose d’extraordinaire. Quel sentiment de la vie !

L’initiative visant à faire de la bonne musique et à donner des concerts revêt une importance particulière pour l’avenir du Quartetto Paganino et de tous les musiciens.

Peter Weilacher a eu l’idée de créer un quatuor à cordes, de le remplir avec des musiciens talentueux et jeunes et de construire le quatuor de manière durable. Il n’a jamais perdu de vue notre objectif commun. Peter Weilacher est particulièrement reconnaissant d’accompagner le Quartetto Paganino avec passion et le soutien nécessaire pour l’avenir.

La musique est une partie essentielle et un compagnon important pour nous.

Continuons à travailler ensemble !